Crítica: Cargo (2009)

Inspirando-se em vários filmes do gênero, Cargo tenta ser uma ficção científica de qualidade e não consegue. Muito do que vemos aqui já vimos em trabalhos bem melhores do passado.

No ano de 2667 a Terra deixou de ser habitável. Quem tem condições financeiras segue para Rhea, um planeta semelhante a Terra. Laura faz parte dos tripulantes de uma nave que irá levar uma carga até uma estação próxima a Rhea. São quatro anos de viagem, mas a equipe irá dormir na maior parte do tempo.

Coisas misteriosas começam a acontecer durante a jornada e segredos são revelados. O duro é conseguir entender quem é quem e acreditar nas reviravoltas absurdas. Graças a um roteiro mal elaborado, vemos situações surgindo do nada. Para piorar, somos incapazes de criar qualquer vínculo com os personagens. Entender as motivações deles beira o impossível.

A artificialidade de Cargo é evidente. Talvez o pior exemplo disso seja no romance mais forçado que vi no cinema nos últimos tempos. O único ponto positivo está nos razoáveis efeitos especiais, principalmente se considerarmos o orçamento enxuto.

Arrastado, derivativo e sem inspiração, Cargo tem quase tudo o que eu não quero ver em um filme do gênero.

Nota: 4

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Crítica: A Prayer Before Dawn

Baseado em uma história real, A Prayer Before Dawn até o momento não recebeu a atenção que merece. O filme conta a história de Billy Moore, um boxeador inglês que acaba preso na Tailândia, onde irá lutar muay thai para tentar ganhar sua liberdade.

Mais do que desenvolver o personagem principal, o filme está preocupado em nos colocar na pele dele e isso é feito com contundência. Compartilhamos com Billy a aflição de estar em um lugar completamente hostil e de não compreender o idioma falado. A prisão em que Billy é levado é uma precisa definição de inferno na terra.

A superlotação é evidente e a noções de higiene são desconhecidas. Os detentos dormem literalmente com o ombro encostado no ombro do outro. As doenças proliferam. As brigas são corriqueiras e os estupros também. Para piorar a situação de Billy, ele está no fundo do poço em relação ao vício em ya ba (um tipo de metanfetamina).

A deterioração psicológica de Billy chega a um nível perigoso. Em uma sequência forte e visceral, ele mostra aos outros presos que ele não vai aceitar ser explorado. Uma maneira de conquistar respeito e diminuir seu tempo de cadeia está em um campeonato de muay thai, mas ele terá que treinar pesado se quiser se manter de pé.

A Prayer Before Dawn é praticamente dois filmes em um. Existe o drama de prisão e o filme de luta. A boa notícia é que ele se sai bem em ambos. As lutas são filmadas com uma câmera fechada que deixa nossa adrenalina lá em cima. O diretor Jean-Stéphane Sauvaire em nenhum momento quis deixar as sequências de pancadaria bonitas de se ver. Ele consegue transmitir a realidade brutal daquelas lutas e nos deixa exaustos no processo.

Este é um filme difícil, inquietante e imprevisível. As lutas que vemos em A Prayer Before Dawn acontecem em doses moderadas, portanto não é necessário ser fã de artes marciais para gostar do filme. Mas prepare-se para algumas cenas dignas de embrulhar o mais forte estômago.

The Americans – 5×13: The Soviet Division

O episódio anterior acabou com um cliffhanger intenso, aumentando ainda mais as expectativas para esse season finale. The Soviet Division cumpriu bem o papel de preparar as coisas para a última temporada e ainda investiu nos arcos de alguns personagens secundários, mas que gostamos bastante.

SPOILERS! 

Tuan é um garoto frio, calculista e totalmente doutrinado pela ideologia que defende. Ele não esteva nem aí para a possível morte de Pasha. Para ele, só importava completar a missão. Já Phillip correu o risco de levantar suspeitas quando foi até a casa de Pasha, mas ele claramente não está mais aguentando o peso na consciência. Talvez ele chegasse no limite se o suicídio de Pasha se consumasse.

Que momento fantástico foi a conversa entre Elizabeth e Tuan. Tuan provavelmente faz Elizabeth lembrar de como ela era antes. O diálogo dos dois mostra mais uma vez a qualidade dos roteiristas de The Americans e claro, de Keri Russell. Aposto que Tuan ficou um tanto assustado ao ver Elizabeth profetizando que um dia ele irá falhar se continuar sozinho.

No final das contas, o pai de Pasha parece irredutível em não voltar para a Russia.

Falando em Russia, a grande questão do episódio era a possibilidade de Phillip e Elizabeth encerrarem suas atividades nos Estados Unidos e partirem. Eles levam uma vida praticamente impossível, sempre atentos, sempre vigilantes e ainda criando dois filhos. Mas nos Estados Unidos eles jamais vão passar fome, eles podem jogar uma partida de squash, podem ter um armário repleto de roupas e um futuro promissor para os filhos. Será que vale a pena abandonar tudo isso para viver uma vida incerta na Russia?

Henry provavelmente não terá condições alguma de iniciar uma vida nova em um país tão diferente, ainda mais depois de saber que foi aceito na escola que tanto almejava entrar.

O fato é que a descoberta de que Breland (o pai de Kimmy) vai virar um chefão da divisão soviética da CIA faz com que Liz e Philip repensem tudo. Particularmente, acho estranho esse ser um motivo para fazer com que eles permaneçam nos Estados Unidos. Se eles querem mesmo abandonar o serviço era só passar a informação adiante e a Central arranjar outra pessoa para investir em Kimmy.

Paciência.

The Soviet Divsion teve mais duas coisas bem interessantes.

Foi muito bom ver Martha na Russia aprendendo essa língua tão difícil. E ainda melhor foi ela adotar uma órfã. Martha ficou visivelmente emocionada nessa cena trabalhada com muita sensibilidade. É bom ver que The Americans não esquece de seus personagens, mesmo aqueles que não são tão importantes no momento.

E para finalizar, parece que as suspeitas de Phillip se confirmaram: Renee provavelmente é uma espiã. Coitado de Stan. Essa historinha da casa ser inundada já foi estranha, mas ela dizendo que Stan não deve abandonar o seu trabalho na divisão da contrainteligência foi demais. Mas eu notei que Stan suspeitou de algo. Essa vai ser mais uma questão bem relevante para a próxima temporada.

Enfim, tivemos um episódio digno da qualidade do seriado. Aparou algumas arestas, levantou hipóteses e nos deixou empolgados para a conclusão que se aproxima.

 

Beasts of No Nation

Em alguma nação africana cujo nome não nos é revelado, Agu é só mais uma criança que corre, brinca e apronta. Ele e sua família possuem dificuldades econômicas óbvias, mas o amor está presente e eles se viram da melhor forma possível.

Tudo muda quando irrompe uma Guerra Civil na região. Soldados armados ignoram qualquer resquício de decência e em um piscar de olhos o menino Agu tem sua infância roubada.

Agu foge pela floresta, mas logo é capturado por um grupo de soldados que tem como líder um homem mais velho chamado O Comandante. Se quiser sobreviver, Agu terá que ele mesmo se transformar em um soldado. Passado algum tempo, ele já não é mais o mesmo. Cigarro na boca, álcool no sangue, uma metralhadora na mão e um olhar que demonstra que inocência não faz mais parte dele.

Beasts of No Nation faz um bom trabalho ao adaptar para o cinema o material original. O diretor Cari Joji Fukunaga consegue criar cenas esteticamente belas, mas essencialmente brutais. Várias são as sequências em que sentimos necessidade de desviar o olhar. Isso acontece não por elas serem exageradamente gráficas ou viscerais, mas por vermos crianças e jovens cometendo as atrocidades.

Crianças? Não mais.

O meio fez com que as crianças se transformassem em assassinos. Beasts of No Nation, além de funcionar como obra cinematográfica, é um importante lembrete de uma situação tão triste como essa.

Não bastasse a violência dos conflitos e o vício em drogas, elas ainda acabam sendo vítimas de abuso sexual.

Como vocês podem ver, este é um filme difícil. Mas apesar de tudo, existe sempre um pouco de esperança e conforto em sinceros laços de amizade.

Como a história é contada pelo ponto de vista do garoto Agu, ficamos ainda mais investidos neste personagem. A atuação de Abraham Atta é memorável. Felizmente, ele foi lembrado em importantes premiações como o Film Independent Spirit Awards.

Além disso, o público está aí para enaltecer esse jovem ator e esse filme pesado, mas extremamente relevante.
IMDb

Bom Comportamento

Bom Comportamento é um coquetel explosivo do que o cinema do gênero pode oferecer. Com atuação compenetrada de Robert Pattison, uma trilha sonora enérgica e uma câmera sempre atenta dos irmãos Safdie, o filme se revela uma experiência intensa e surpreendente. A premissa não é exatamente original, mas a a abordagem foge do lugar comum. As escolhas do roteiro e dos diretores podem soar estranhas em um primeiro momento, porém elas fazem sentido neste redemoinho caótico de prazer cinéfilo. Basicamente, acompanhamos Connie Nikas tentando arranjar 10 mil dólares para soltar o irmão que foi preso em uma tentativa fracassada de roubo a banco. Apesar de possuir presença de espírito, Connie não é um gênio do crime. Testemunhar seus acertos e erros em uma madrugada insana é de tirar fôlego. Há ainda espaço para uma rápida crítica social aqui. Nem precisava. Bom Comportamento é daqueles filmes diferentes que precisam de um tempo para entrarmos no ritmo. E quando isso acontece, nossa imersão é total.

Nota: 8.5

Show: Muse – São Paulo (2015)

Faz tempo que me considero um fã do Muse. Minha admiração pelo trio britânico começou quando escutei o álbum Absolution há praticamente 10 anos. A partir daquela época, fui atrás dos álbuns anteriores e acompanhei de perto os lançamentos da banda. Confesso que atualmente não escuto Muse tanto como antes,  mas não iria deixar essa oportunidade passar. Finalmente havia chegado o momento de conferir de perto uma apresentação dos caras, apesar do preço abusivo dos ingressos.

Chegamos dentro do Allianz Parque umas 2 horas antes do horário previsto para iniciar o show e o que chamou a atenção logo de cara foi a quantidade de espaços vazios. Parece que o Muse ainda não tem aquela fama para lotar arenas no Brasil. De qualquer forma, na hora que eles começaram a tocar o estádio estava mais cheio. De acordo com a produtora do evento, 27 mil almas acompanharam a performance dos caras.

Uma coisa que aprendi: se você quer realmente se empolgar e sentir o show, nada de ficar em qualquer lugar que não seja a pista. Essa foi a primeira e – possivelmente – a última vez que resolvo pegar a cadeira inferior. A única coisa boa é ter uma visão privilegiada da banda e da galera, mas o bacana é estar lá no meio.

O setlist foi curto, mas muito bem equilibrado. Tivemos as músicas novas no começo. Psycho é uma ótima opção para abrir o show, com seus riffs pesados e diretos, fazendo todo mundo pular. Plug in Baby potencializa isso tudo e facilmente torna-se um dos destaques do show.

As coisas esfriam um pouco com algumas músicas mais recentes, mas pelo menos Dead Inside se revela ótima ao vivo e é mais uma oportunidade para Matt Bellamy mostrar seu talento.

Muscle Museum é tipo uma homenagem para os fãs antigos. O cara que sabe cantar essa do começo ao fim pode ser considerado fã de carteirinha.

A partir daí foi uma porrada atrás da outra. Madness, Supermassive Black Hole, Time is Running Out, Starlight, Uprising. Público cantando junto e pulando. Para o bis, Mercy e Knights of Cydonia, fechando com propriedade.

É uma pena que logo quando o show empolgou de fato, ele terminou. Será que deu 1 hora e meia no total? Passou tão rápido. Ficou evidente a qualidade técnica, os refrões incríveis cantados como se fossem hinos, a produção caprichada, mas faltou algo. Uma interação maior? Uns 30 minutos a mais? Provavelmente.

Saímos satisfeitos, mas com a noção de que eles poderiam ter feito um pouco mais.

Resenha de filme: Santos ou Soldados (2003)

Santos ou Soldados é uma prova de que é possível fazer um bom filme de guerra com um orçamento modesto. Para tal, são necessários um roteiro competente, atuações convincentes e criatividade na hora de trabalhar com os efeitos especiais. É o que temos aqui. A trama mostra quatro soldados que conseguiram fugir do massacre de Malmedy (Bégica), episódio da Segunda Guerra em que prisioneiros americanos foram covardemente assassinados por soldados alemães. Esses quatros soldados ganham a companhia de um inglês que cai de paraquedas na região. Eles estão atrás das linhas inimigas e vão tentar encontrar uma base aliada. Além da sobrevivência, eles também tem o objetivo de passar uma informação importante aos seus superiores.

Baseado em fatos reais, o filme oferece sequências que transmitem bem o medo e a tensão de tentar passar despercebido em uma área infestada de inimigos. Qualquer barulho nas redondezas pode ser indicativo da presença dos alemães. O grupo também precisa enfrentar o frio, a neve e a pequena quantidade de suprimentos.

Apesar das dificuldades, é uma oportunidade para que criem-se laços ainda mais fortes de amizade entre os soldados. Mesmo com a pequena duração, é possível conhecermos boa parte dos personagens e seus conflitos pessoais.

Outro ponto positivo é o combate propriamente dito. Não temos espetáculos visuais nos moldes de O Resgate do Soldado Ryan, mas as cenas de batalha são verossímeis e realçam a crueldade da guerra.

É uma pena que Santos ou Soldados tente apelar para lágrimas do público através de situações forçadas, como o soldado que quer um cigarro e por todo o subtexto religioso.

Não estamos diante de um top 20 do gênero, mas é um trabalho que merece ser visto.

Resenha de Filme: Os Gritos do Silêncio (1984)

Vários aspectos de Os Gritos do Silêncio colaboram para fazer dele um filme de guerra perturbador e comovente. Temos aqui uma história baseada em dolorosos fatos reais. Acompanhamos a Guerra Civil do Camboja na perspectiva de um correspondente estrangeiro do New York Times e de um jornalista local. Sydney Schanberg e Dith Pran, mais do que colegas de trabalho, são amigos verdadeiros. Quando o comunista Khmer Vermelho assume o poder e propaga atrocidades por todo o território, os estrangeiros são obrigados a deixar o país. Infelizmente, Dith Pran não consegue sair e vai viver o martírio nas mãos dos seus captores, assim como outros milhões de cambojianos que não se adequavam a ideologia do Khmer.

O filme é dividido em duas partes, sendo que a parte final, totalmente dedicada a Dith Pran, é o grande destaque. Sofremos ao ver Pran enfrentando as agruras da escravidão e torcemos para que ele finalmente consiga escapar. As tentativas de fuga são momentos de verdadeiro suspense e agonia. Tudo isso torna-se ainda mais chocante quando sabemos que o ator Haing S. Ngor teve essas mesmas experiências. Piores, até. Este foi o primeiro trabalho dele no cinema. Não era um ator profissional (era um médico refugiado), mas transmitiu o desespero da situação como poucos conseguiriam.

O diretor Roland Joffé mostra toda essa história de uma maneira bem realista e focando nos personagens. As cenas de conflitos são poucas, mas bem dirigidas. Filme essencial.

Resenha de Filme: Moscou Contra 007 (1963)

Já assisti a um bom número de filmes de James Bond, mas pouquíssimos deles chegaram a realmente me empolgar. De cabeça, menciono três: Skyfall, Casino Royale (2007) e Moscou Contra 007, nessa ordem de preferência. Dono de um ritmo dinâmico empregado pelo diretor Terence Young, diálogos cheios de presença de espírito e uma atuação inesquecível de Sean Connery, Moscou Contra 007 fez muito sucesso com o público e ganhou o coração dos fãs do agente secreto britânico. Este é o segundo da série e foi o momento em que aspectos característicos da franquia surgiram. Temos aparatos inovadores e perigosos, bond girls e competentes cenas de ação. A perseguição de Bond por um helicóptero talvez seja o ponto alto. Aliás, não tem como ver essa cena e não lembrar de Intriga Internacional de Hitchcock. Mesmo estando longe de ser o meu tipo de filme preferido, não posso deixar de reconhecer suas qualidades, sendo a principal delas a capacidade de nos divertir.

Crítica: Platoon (1986)

Não é exagero dizer que Platoon é um dos filmes de guerra mais autênticos e realistas já produzidos, principalmente se pensarmos em termos de Guerra do Vietnã. Para comprovar tal afirmação, basta sabermos que o diretor Oliver Stone serviu na infantaria americana no conflito e que o personagem principal basicamente representa o próprio diretor. Ao analisarmos entrevistas de Stone sobre o filme e a Guerra em si, vemos declarações sinceras que demonstram seu desejo de transmitir para o público a sensação de estar no meio daquele caos. Para completar, uma exibição do filme a alguns veteranos da guerra e a reação deles é outro indicativo da verossimilhança de Platoon.

Assim como o novato Chris Taylor (Charlie Sheen) aterrizamos no Vietnã e temos as piores impressões possíveis. O calor, cadáveres transportados em sacos plásticos e o olhar vazio de um veterano indo embora são sintomáticos. Em um missão de reconhecimento, Chris percebe que o perigo não reside apenas nos vietcongues, mas também na floresta densa, na umidade, nos insetos, nas cobras e nas poucas horas de sono. Mais tarde, ele descobre que até o mesmo o seu próprio pelotão pode representar um risco, afinal existe um racha entre os sargentos Barnes e Elias.

Uma guerra como essa é capaz de transformar o ser humano rapidamente. Uma morte causada pelo exército inimigo serve como desculpa para atos covardes contra uma vila indefesa. A loucura toma conta de alguns, assim como o mais profundo medo. Percebam a diferença de Chris no começo e no final do filme. Para sobreviver aqui é necessário adaptar-se e contar com um pouco da sorte.

O filme acerta em cheio ao retratar de maneira honesta e visceral a guerra do Vietnã, com momentos de muita tensão, medo e violência. E claro, temos que aplaudir Stone por mostrar toda a controvérsia acerca deste conflito.

Um top 10 do gênero.

Melhores Westerns: Pistoleiro Sem Destino (The Hired Hand, 1971)

Pistoleiro Sem Destino é um western bem diferente daqueles que estamos acostumados a assistir. Vários elementos comuns ao gênero não aparecem aqui ou aparecem em momentos bem específicos. Apesar disso, trata-se de uma experiência encantadora. Estreando na direção, Peter Fonda adiciona sensibilidade, uma agradável melancolia e recursos estilísticos um tanto ousados para filmes de faroeste. Somos brindados com várias sequências em que a fotografia e a trilha sonora se destacam e dão a ideia de que o velho oeste nem sempre era um amálgama de caos e desespero. Claro, a trama investe um pouco em ação e nas convenções do gênero quando mostra um conflito e um desejo de vingança, mas Pistoleiro sem Destino deve ser lembrado por enaltecer a camaradagem dos dois personagens principais, a coragem de uma mulher e por suas imagens de rara beleza. [9]

Crítica: O Abutre (Nightcrawler, 2014)

Conhecido no mundo do cinema pelos roteiros de O Legado Bourne e Gigantes de Aço, o californiano Dan Gilroy estreia na direção com este perturbador e fascinante O Abutre, filme estrelado por um possuído Jake Gyllenhaal que vem fazendo sucesso em várias premiações mundo afora e, principalmente, agradando ao público.

Louis Bloom (Gylleenhaal) é o que podemos chamar de um ladrãozinho barato. Ele rouba cercas de arame e semelhantes para vender posteriormente e não se preocupa em descer a mão na cara de eventuais guardas que o abordam. Percorrendo as ruas de Los Angeles com o seu simplório carro, Bloom se depara com um feio acidente automobilístico e se encanta com o trabalho de Joe Loder (Paxton), um câmera que registra tragédias (quanto mais sangue, melhor!) e vende as imagens para canais de televisão.

Bloom decide investir toda sua energia e motivação neste novo trabalho. No início ele tem certas dificuldades, o que gera cenas com algumas doses de humor, mas não demora muito para ele pegar o jeito da coisa. É impressionante acompanhar a evolução dele. Sua ambição transforma-se em obsessão e ele não apenas faz o registro dos incidentes, como passa a manipular cenas de crime ou acidentes para aumentar o choque do público que vai assistir ao jornal naquele dia, sem demonstrar qualquer tipo de sentimento humanitário em relação as vítimas.

É difícil negar que a melhor coisa de O Abutre é a atuação monstruosa de Jake Gyllenhal. A composição do personagem é repleta de detalhes que o enriquecem muito. O ator perdeu bastante peso, está com bochechas encovadas, um cabelo oleoso e preso para trás, levemente corcunda, olhos arregalados que quase não piscam, sorrisos fáceis e falsos e falas rápidas.

Estamos diante de um personagem solitário, que acha que todo o conhecimento do mundo pode ser obtido através da internet. Ele vomita inúmeros aforismos e jargões corporativos com convicção e acaba convencendo os outros. Bloom não está nem aí para as vítimas que encontra pelo caminho. Tal qual o abutre ou o urubu, ele fica apenas à espreita da desgraça alheia para atingir seus objetivos, que no caso dele é vender as imagens e lucrar o máximo possível.

Lou Bloom tem algumas características que poderiam impulsionar discussões entre uma junta de psiquiatrias para se chegar a um diagnóstico preciso, pois é evidente que ele sofre de algum transtorno mental.

Apesar de todas as falhas de caráter de Bloom e suas atitudes condenáveis, me vi torcendo para ele não ser surpreendido pela polícia enquanto fazia seu trabalho e acredito que a maior parte do público também. Devemos nos preocupar com isso?

Outro ponto importante e que nos convida a refletir é a manipulação da notícia pela mídia. Já sabemos que isso acontece, não é novidade, porém as coisas são feitas com tanta qualidade e intensidade aqui que não há como não ficarmos incomodados. Nina Romina (Russo) é uma diretora de jornalismo que escolhe a dedo o tipo de notícia que vai botar no jornal. Pobres matando pobres em um bairro da periferia não comove, porém um mexicano matando um rico em uma mansão é a matéria ideal, que deverá ser transmitida da forma mais eloquente possível, para criar um espetáculo e gerar a paranoia. Infelizmente, temos exemplos diários disso em diversos meios de comunicação.

O Abutre é um filme espetacular, angustiante, tenso, daqueles que prendem a atenção de maneira quase hipnótica e que demoram para sair da sua cabeça. Como se isso fosse pouco, ainda oferece uma das melhores atuações dos últimos anos. Gyllenhaal estava tão compenetrado no papel que em uma cena que Bloom dá um soco no vidro o ator realmente desferiu o golpe, tendo que ir para o pronto atendimento fazer uma sutura. Bravo!
[9.0]